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Entre seda y algodón

Blog de Moda, Estilismo y Grandes Creadores

No parecerse a nadie, sorprender, asombrar por una elegancia cuya discreción y efectos desafían el análisis, eso es lo que debe lograr una mujer deseosa de conservar su misterio y de tener poesía. (Coco Chanel)


Gabrielle Bonheur Chanel, la petite Coco, nació el 20 de agosto de 1883 en la pequeña localidad de Saumur, en Auvernia, en el seno de una familia muy humilde. Su padre, Albert Chanel, se dedicaba a la venta ambulante, y la madre Jeanne Devolle, atendía el hogar. Segunda hija del matrimonio, la infancia de Coco se complica con la muerte de su madre en 1895 y el posterior abandono de su padre que trae como consecuencia un hecho que Chanel trató de olvidar y reinventar: la estancia, primero, en un orfanato en Aubazine y, después, en un internado religioso en Moulins, hasta los 20 años.
Chanel tuvo a lo largo de su vida tres biógrafos, si es que pueden llamarse así, ya que, más que ser entrevistada y contar sus vivencias para una futura publicación, lo que se encargaba era de dictar aquello que quería que se supiera de ella, que por supuesto distaba mucho de ser real. Pero Chanel quiso controlar su imagen, algo muy moderno visto desde nuestra perspectiva actual. Una verdadera operación de marketing que eliminaba aquellos episodios incómodos que no encajaban bien con ese halo de glamour y distinción que tanto se esforzó por conseguir. En cualquier caso, nos ha quedado el libro de Paul Morand titulado L´allure de Chanel, y de Louise de Vilmorin, gran diva del París de la época y amiga de Chanel, Memorias de Coco, ya que Michel Déon no llegó a publicar su trabajo. Estas obras, si bien nos ofrecen una visión totalmente fantaseada de de su vida, interesan porque muestran cómo Chanel quería que los demás la vieran, la imagen pública que le interesaba trasladar.
Sea como fuere, el caso es que las carencias emocionales y económicas de su infancia marcaron de manera definitiva su personalidad. Mujer ambiciosa, toda su vida estuvo marcada por el deseo de independencia económica con respecto a los hombres de los que, paradójicamente, se sirvió para lograr muchas de sus metas, tanto profesionales como de ascensión social. La obsesión por el dinero tiene sentido para ella en tanto en cuanto representa un medio de liberación, una voluntad de independencia frente al hombre. La mujer objeto que acaba manipulando al hombre que la pretendía manipular a ella. Para lograr estos objetivos Chanel contaba con dos importantes armas: la astucia y la seducción.
Las andanzas profesionales de Coco comienzan cuando en 1903, las monjas del internando le consiguieron un puesto de trabajo en una mercería de Moulins, pero esto no colmaba ni de lejos las expectativas de Chanel. En 1906 viajó a Vichy, lugar de relax de mucho ricos de la época, donde trabajó en uno de los balnearios lo que tampoco le proporcionaba gran cantidad de dinero y es en este momento cuando decide valerse de los hombres para poder acceder al ascenso social que tanto ansiaba. De hecho, gracias a Arthur Capel, su gran amor, Chanel consigue abrir su primera tienda de sombreros en 1910 en el número 21 de la rue Cambón de París. El despegue había comenzado. En 1913 abre su primera boutique en Deauville, donde incorpora su ropa deportiva. En 1915 abre su primera casa de costura en Biarritz, lugar de veraneo de la clase más adinerada y en 1918 inaugura su mítica casa de costura en París, en el 31 de la rue Cambon. Y, ya en 1921, se produciría el lanzamiento de su famoso perfume Nº 5, un emblema de la casa Chanel.
Entre las principales aportaciones de Chanel al mundo de la moda está la contribución a la liberación del cuerpo de la mujer, eliminando el corsé, como ya habían empezado a hacer otros grandes modistos de la época como Madame Vionnet o Paul Poiret. Trató también de proporcionar comodidad a la rígida indumentaria femenina mediante la utilización de tejidos como el punto, con los que anteriormente solo se fabricaban prendas de interior, para realizar cómodos suéteres. En 1920, presentó una de las prendas que, a quien escribe, más le gusta: el pantalón de pata ancha, inspirado en los pantalones de los marineros, y al que Coco bautizó con el nombre de pantalón de yate. Hacia 1924 presenta lo que le dará la gloria mundial hasta nuestros días: el traje sastre inspirado en los trajes masculinos. En 1926 presenta otro de sus grandes hits, el little black dress o vestidito negro. Tras el parón que supuso la Segunda Guerra Mundial, Chanel vuelve al oficio en los años 50 y con una gran apuesta, la chaqueta de inspiración masculina. Son chaquetas de corte recto, sin cuello y sin entretela, ribeteadas con un sencillo galón y realizadas en tejido de tweed, tejido que Chanel descubrió en su juventud en sucesivos viajes a Escocia con el duque de Westminster. Es en esta segunda etapa cuando lanza dos de sus grandes éxitos: el zapato beige de puntera negra y el bolso acolchado de cadena.

Chanel con look marinero, suéter a rayas y pantalón ancho, 1928 

La infancia de Coco marcó su vida pero también marcó sus creaciones. Chanel soñaba una moda libre, de sencillos cortes, jamás utilizó el corte al bies, por ejemplo, y todo en ella tendía a la sencillez. Eliminaba todo aquello cuya única función era ornamental, la simplicidad sería para siempre su sello de identidad. Esta simplicidad así como la preferencia por una paleta de tonos naturales o la combinación del blanco y el negro están directamente relacionados con el ambiente casi ascético que vivió en la abadía románica de Aubazine y que ella deja traslucir en sus creaciones. Pero Chanel se hizo permeable a otras influencias, como el amor por el arte oriental que le supo inculcar el señor Capel, o su interés por el arte bizantino, por la cultura rusa, etc.

Romy Schneider con Coco Chanel, 1960

Chaqueta en tweed, Colección Primavera-Verano 2014

Chanel también realizó trabajos de vestuario para ballets como Le Trein Bleu, de 1924 y para cine. En los años 30 es llamada por Hollywood, en concreto por la United Artists, destacando en títulos como Tonight or nerver, con Gloria Swanson en el papel protagonista.
En definitiva, la vida de Chanel es una vida llena de vigorosa actividad profesional, personal y artística. En el París de los años que van de 1920 a 1940, entra en contacto con lo más granado de la élite social, en general y del gremio de la cultura, en particular. De la mano de su gran amiga Misia Godebska, casada en terceras nupcias con José María Sert, conoce a los grandes artistas del momento, como Picasso, Renoir, Toulouse-Lautrec, Stravinsky, etc. La niña pobre de la región de Auvernia había llegado a la cumbre. Un éxito que se vio interrumpido por la Segunda Guerra Mundial, y que Chanel retomaría en los años 50 hasta que el domingo, 10 de Enero de 1971 murió en París en absoluta soledad.
Chanel se fue, pero su legado continúa de la mano de Karl Lagerfeld que, en 1983, cogió el testigo poniéndose al frente del departamento artístico controlando las colecciones de alta costura, Prêt-à-porter y accesorios, manteniendo viva la esencia de la casa francesa hasta el presente.
En abril de 2012, en un viaje a París, pude disfrutar de una de las últimas grandes exposiciones que se han hecho de José María Sert en el Petit Palais y en donde se incluía una pieza que perteneció a Chanel, un biombo de inspiración china en laca coromandel, uno de los muchos biombos que decoraron tanto su apartamento en el Ritz, como su piso en la rue Cambon, y con cuya mención quiero acabar este artículo. Una pieza que resume la esencia de Chanel: elegancia, sofisticación, distinción y misterio.

Biombo en laca coromandel


Bibliografía:
CHARLES-ROUX, E. El Siglo de Chanel. Hercé Ediciones. 2007.
MORAN, P. L`allure de Chanel. Folio. París. 2009.
O’HARA CALLAN, G. Diccionario de la Moda y de los Diseñadores. Ediciones Destino. Barcelona. 1999.
VILMORIN, L. Memorias de Coco. Nortesur. Barcelona. 2009.
www.chanel.com
Recomiendo visitar dentro de esta página el apartado de Inside Chanel.

Wrote by Noelia Hernández
Poiret llegó al mundo en 1879, en pleno corazón de un París embellecido gracias a las intervenciones urbanísticas de Haussman y en el seno de una familia medianamente acomodada. El padre regentaba un negocio de paños y la madre se ocupaba del hogar que contaba con otras tres hijas, además de Paul. Quizá ese ambiente mayoritariamente femenino hizo que, desde muy temprana edad, Poiret manifestara un gusto notable por las telas y los folletines de moda de los periódicos de la época. Él mismo cuenta cómo disfrutaba cuando salía con su madre y visitaba las tiendas de ropa y cosméticos.
Del mismo modo, desde muy joven, se interesó por la cultura en sus diferentes expresiones: gran aficionado al ballet, al teatro, la pintura y la decoración, en definitiva, una tendencia al artista completo. En una época propicia para ello, en la que el arte fluía en París de una manera casi natural, las Exposiciones Universales de 1889 y 1900 habían servido para poner en contacto propuestas y sensibilidades de muy diferentes ámbitos. También los Salones de Pintura de la época (sobre todo los no oficiales) tuvieron una gran influencia en Poiret, que los visitaba de un modo asiduo y en donde conoció la pintura impresionista y entró en contacto con artistas como Derain o Vlaminck o ilustradores como Paul Iribe.


Retrato de Paul Poiret por Derain, 1914


Ilustración de la túnica Josephine dentro del conjunto  Los Vestidos de Poiret, por Iribe, 1908

Cuando acabó sus estudios de bachiller entró como aprendiz en una casa de fabricación de paraguas, cosa que no estimulaba nada a nuestro artista pero a lo que supo sacarle cierto partido: Con los retales que le sobraban de los paraguas realizaba en su casa toda clase de prendas que luego probaba sobre un pequeño maniquí. Por esta época empieza también a dibujar diseños de moda que un día, animado por un amigo, decide enseñar a la señora Chéruit, una de las encargadas de Raudnitz-Soeurs. Le compró doce modelos y le pagó veinte francos por cada uno. Su carrera en la moda había empezado. Y el momento no podía ser más propicio: Arrancaba la Belle Époque, que abarcó desde 1895 hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial.
A partir de este momento, entró en contacto con otras casas de moda hasta que en 1896 el Sr. Doucet le propuso trabajar en exclusiva para él. El primer modelo creado por Poiret para Doucet fue una esclavina de paño rojo, con tiras de paño recortado alrededor del cuello. Se vendió cuatrocientas veces. También realizó gran número de trajes de chaqueta y falda ceñida a la cintura, que se llevaban sobre corsés. Su salario llegó a ser de quinientos francos, suma muy elevada para un joven diseñador. Fue una época de mucho aprendizaje y de contactos. Por la casa Doucet pasaban vedettes, actrices, cantantes de ópera, etc. Todo iba bien pero acabó siendo despedido de Doucet por cierta opinión negativa vertida sobre una revista protagonizada por Sarah Bernhardt, quien se quejó a Doucet.
Por esta misma época tuvo que acometer el servicio militar, donde no encajó demasiado bien la estricta disciplina. En 1901, cuando se licenció, volvió a entrar en contacto con la alta costura, en concreto con Gaston Worth, hijo del mítico Charles Frederick Worth, y contable de la firma en este momento, mientras que su hermano, Jean Worth, se ocupaba de la parte creativa, aunque casi en exclusiva dedicado a crear indumentaria de gala. Gaston veía como, cada vez con mayor frecuencia, sus clientas, a pesar de su alcurnia, le solicitaban “ropa de calle” más cómoda para los distintos ocios que iban surgiendo y para los que la ropa tan engalanada no era nada práctica. Sin embargo su hermano, Jean, no estaba dispuesto a “degradar” su arte creando tales prendas. Por esta razón Gastón le ofrece a Poiret encargarse de esta sección más mundana de la casa Worth. Poiret aceptó y realizó numerosos trajes sastre que se vendieron muy bien. A pesar de la buena aceptación de las prendas, el trabajo de Poiret no era valorado por Jean, ni por las empleadas de la casa, llegando incluso a sufrir algún que otro desprecio. Un día llegó a la tienda la Princesa Bariatinsky, lo que produjo gran revuelo, y Poiret, aprovechando la ocasión, mientras las modelos se preparaban para pasarle los diferentes diseños, le enseñó un abrigo de influencia oriental. La reacción fue de rechazo total. Ese día Poiret se guardó su orgullo. Poco después, en 1903, se le presentó la ocasión de abrir su propio negocio. La tienda se situó en el número 5 de la rue Auber. En cuanto abrió sus puertas toda la sociedad parisina desfiló por allí y una de sus prendas estrella fue el abrigo “Confucius”, que tanto había horrorizado a la citada princesa.

En 1906 Poiret se traslada al número 37 de la rue Pasquier, una calle más amplia y, por tanto, más apropiada para acoger la afluencia de público. El local, un antiguo hotel, no contaba ni con escaparates ni rótulo. A pesar de todo, todas las grandes damas de París acudieron a su tienda, entre ellas Mrs. Asquith, a la que conoce en París y la que le introduce posteriormente en Londres.
Hacia 1909, vuelve a cambiarse de local, esta vez a la Avenida d´Antin, una casa con unos amplios jardines que fueron testigo de numerosas fiestas, entre las más célebres la de las mil y dos noches, todo un despliegue de creatividad en el que Poiret disfrutaba con sus amigos y que pone de manifiesto uno de los rasgos que han definido la personalidad de este artista: la excentricidad.
Es en esta época cuando Poiret introduce sus grandes innovaciones en lo que a la moda se refiere. Elimina el uso del corsé en favor del sostén, liberando el cuerpo de la mujer y dándole mayor libertad y terminando de este modo con la silueta en “S”.
También en estos momentos se produce una ola de orientalismo y un estallido del color, acabando con la paleta de tonos empolvados. El punto de partida de esta tendencia no sabemos si arranca con Poiret o con el Ballet Ruso. En cualquier caso, ambos jugaron un papel decisivo. Es la época en la que Leon Bakst diseña el vestuario para Schéhérazade. Poiret lo plasma en la ropa de calle, y surgen sus grandes creaciones de aire oriental.

Hacia  1911 Poiret se traslada a la rue Faubourgh Saint-Honoré, en el número 107. Por esta casa desfilaron durante más de quince años toda la vida parisina, la exótica y la más refinada. La primera planta estaba dedicada a salón de pruebas y allí tenían lugar los pases de modelos tal y como hoy los conocemos, aunque el primero en utilizar maniquís humanos fue Charles Frederick Worth. Este local también fue la sede de las dos empresas que Poiret creó para sus dos hijas, para Martine, la hija menor creó Les Ateliers de Martine, y para Rosine, la mayor, un negocio de perfumes: Parfums de Rosine. Las dos tuvieron una gran aceptación, aunque acabaron cayendo en desgracia y fueron afectadas con el crack de 1929.
En estos años Poiret inicia una serie de viajes por toda Europa con sus modelos, aunque el resultado de estas aventuras no fuera satisfactorio del todo, porque le sometían a innumerables registros en las aduanas y no entendían el propósito de esas visitas. Probablemente era algo demasiado moderno para la época. Los viajes de Poiret no se limitaron a Europa. Visitó Marruecos, con el que estaba fascinado, y también realizó viajes a América, aunque él mismo confiesa en sus memorias que no terminaba de conectar con el gusto americano.


Vestido de Noche, 1910


La sultana, Leon Bakst, Scheherazade, 1910


Conjunto oriental, creado para la fiesta de Las Mil y dos noches, 1911


Abrigo Escudo, 1911


Oscar de la Renta, abrigo influencia oriental a lo Poiret, 2007



Abrigo Ópera, 1912


Traje noche, dos piezas, 1922


Poiret con sus modelos en la Victoria Railway Station de Londres, 1924


Peggy Guggenheim de Poiret, retratada por Man Ray, 1924

Después de la Primera Guerra Mundial, cierra su casa de modas, que abre de nuevo en 1925, para participar en la Exposición de Artes Decorativas de París. Sin embargo, poco después cerraría definitivamente presionado por el cambio en el mundo de la moda y por la subida al trono de una de las grandes reinas: Coco Chanel.
Poiret se retiró a la zona de la Provenza donde escribió unas memorias que vieron la luz en el año 30 con el nombre de Vistiendo la época.
Modisto, decorador, pintor, escritor, conferenciante, fue un artista total, un amante del color y de la vida. Su influencia en la moda ha sido incuestionable y, todavía hoy en día, resulta imprescindible acercarse a sus creaciones para tener una visión completa de la misma. En 2007 el Metropolitan de Nueva York le dedicó una gran exposición: Paul Poiret. El Rey de la Moda, donde se podían ver algunas de las grandes piezas de indumentaria creadas por este genio.

Imagen de la Exposición del Metropolitan, 2007

Bibliografía:
CERRILLO RUBIO, L. Paul Poiret y el Art Decó en Anales de Historia del Arte. Volumen Extraordinario. Pp.513-525. Universidad de Valladolid. 2008.
KODA, H. y BOLTON, E. Poiret. Catálogo de la Exposición. Metropolitan Museum of Art. New York. 2007.
LAVER, J. Breve historia del traje y la moda. Ensayos Arte Cátedra. Madrid. 2006. (1ª Edición 1988).
POIRET, P. Vistiendo la época. Parsifal Ediciones. Barcelona. 1989.

Wrote by Noelia Hernández

  

Nacida en  Chilleurs-aux-Bois, Loiret el 22 de Junio de 1876 y fallecida en París el 2 de marzo de 1975, la vida de Madame Vionnet es una vida dedicada al oficio de la Moda. Trabajó en dos de las grandes firmas francesas de finales del XIX, Soeurs Callot y  Doucet, hasta que en 1912 abrió su propia casa de modas en la Rue Rivoli de París, la cual permaneció cerrada durante los años de la Primera Guerra Mundial y reabrió en 1918. Consiguió un enorme éxito en los años veinte, un éxito que culminó en 1923 cuando abrió sus nuevas instalaciones en la avenida Montaigne, hasta que en 1940 cerró definitivamente. Hace unos años, en 2008, Matteo Marzotto, adquirió la marca Vionnet con la idea de darle una nueva oportunidad respetando las señas de identidad de la marca original: elegancia, sofisticación y buen hacer.
Trabajadora incansable, Madeleine Vionnet dominó el arte de la moda y está considerada junto con Augustabernard como la gran conocedora de los secretos de la costura, una verdadera artesana de la tijera y de la aguja, con un concepto espacial y arquitectónico del cuerpo de la mujer único, el cual fue capaz de trasladar a los tejidos con los que trabajó. Nadie ha podido hacer lo que ella hizo con los diferentes materiales. Para ella cada material requería una investigación y un diseño diferente, en función de sus características. Sus grandes hits, el corte al bies (en diagonal) y el juego de drapeados inspirados en el mundo clásico, influyeron de modo definitivo en la moda de la época y en las décadas posteriores, entre otros en Madame Gres y John Galliano. Madame Vionnet creó vestidos en los que se conjugaba la elegancia y la feminidad sin renunciar a la libertad del cuerpo conseguida en los años 20, tras liberarse del corsé. Vionnet poseía un sentimiento clásico y veía el cuerpo como pura poesía y a ello supeditaba la línea y el color. 

Vestido de inspiración griega, 1914. Getty Images
  

 
Vestido de Noche, 1929, Kyoto Costume Institute. Estuvo expuesto en España en el Museo del Traje, de mayo a septiembre de      2007, formando parte de la exposición temporal, Modachrome, El Color en la Historia de la Moda


 
La esencia de las creaciones de Vionnet fue captada en 1931 por el fotógrafo de Vogue George Hoyningen-Huene


 
Vestido de c.1930. 
En el año 2009 el Museo de Artes Decorativas de París le dedicó una completa retrospectiva de piezas creadas entre 1912 y 1939

 
Vestido en seda y lamé, 1938. Perteneció  a Wallis Simpson, Duquesa de Windsor y posiblemente lo prestó  para la exposición Paris Openings, celebrada en 1940. Hoy en la Colección de Indumentaria del Metropolitan de Nueva York


 
Vestido de noche en gasa de seda, 1938

Para conocer a fondo el trabajo de Vionnet es imprescindible acercarse a la obra de Betty Kirke. Diseñadora, conservadora de textiles y escritora, Betty Kirke ha buceado en los diseños de Vionnet durante más de treinta años, examinando a fondo muchos trajes de la Colección Vionnet y de museos de todo el mundo. Fascinada por sus innovaciones técnicas llegó a reunirse con ella en el año 1974, justo un año antes de su muerte.
Muchos trajes habían sido cortados al bies y la gravedad se había encargado de hacer el resto, lo que planteaba una complejidad de patronaje importante.  Mrs Kirke hizo una labor minuciosa al tratar de obtener las diferentes partes de los patrones de muchos trajes, lo que reveló, lo que ya se intuía, que Madame Vionnet era una maestra de la geometría, con creaciones sumamente originales. Toda esta investigación, con patrones incluidos, fue publicada en un libro que se ha convertido en un verdadero cuerpo teórico,  de imprescindible conocimiento para quien esté interesado en tener una idea completa de la Historia de la moda, y que vio la luz por primera vez en 1991 en Tokio y que se reeditó posteriormente en 1998 en San Francisco por Chronicle Books.
La fama de Vionnet fue tal que sus contemporáneos no sólo la admiraban sino que observaban sus creaciones con devoción. Madame Vionnet estuvo en la cumbre de la moda hasta que alguien llamada Coco Chanel le arrebató ese primer puesto. Sin embargo, lo que nunca se le podrá arrebatar y que todavía permanece en las colecciones actuales de la marca es su elegancia y su buen hacer.


 
Vestido de seda drapeada con cinturón negro, Colección Primavera-Verano 2012


 
Vestido en creponne drapeado con bordado de estrellas. Colección Primavera-Verano 2012



Bibliografía:
KIRKE, B. Madeleine Vionnet. Chronicle Books. 1998.
VVAA. Moda. Una Historia desde el S.XVIII al S.XX. La Colección del Instituto de la Indumentaria de Kioto. Taschen. Colonia. 2003.
VVAA. Modachrome. El Color en la Historia de la Moda. Ministerio de Cultura. 2007.
WORSLEY, H. Décadas de Moda. Getty Images. Könemann. 2004.
www.vionnet.com
www.kci.or.jp
www.metmuseum.org
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Licenciada en Historia del Arte, UCM. Magíster Universitario en Museografía y Exposiciones, Facultad de Bellas Artes, UCM.
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